Разновидности симфонии
Это интересно:
Классическая симфония – это музыкальное произведение в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром.
В симфонию (помимо симфонического оркестра) может быть включён хор и вокал. Существуют симфонии-сюиты, симфонии-рапсодии, симфонии-фантазии, симфонии-баллады, симфонии-легенды, симфонии-поэмы, симфонии-реквиемы, симфонии-балеты, симфонии-драмы и театральные симфонии как разновидность оперы.
Симфонический оркестр
В классической симфонии обычно 4 части:
первая часть – в быстром темпе (аллегро), в сонатной форме;
вторая часть – в медленном темпе, обычно в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;
третья часть – скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);
четвёртая часть – в быстром темпе, в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.
Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.
Программная симфония – это симфония с определенным содержанием, которое изложено в программе или выражено в названии. Если в симфонии присутствует название, тогда данное название и является минимальной программой, например, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза.
Литература[править]
- Глебов Игорь (Асафьев Б. В.), Строительство современной симфонии, «Современная музыка», 1925, No 8
- Асафьев Б. В., Симфония, в кн.: Очерки советского музыкального творчества, т. 1, М.-Л., 1947
- 55 советских симфоний, Л., 1961
- Попова Т., Симфония, М.-Л., 1951
- Ярустовский Б., Симфонии о войне и мире, М., 1966
- Советская симфония за 50 лет, (сост.), отв. ред. Г. Г. Тигранов, Л., 1967
- Конен В., Театр и симфония…, М., 1968, 1975
- Tигранов Г., О национальном и интернациональном в советской симфонии, в кн.: Музыка в социалистическом обществе, вып. 1, Л., 1969
- Рыцарев С., Симфония во Франции до Берлиоза, М., 1977
- Brenеt M., Histoire de la symphonie а orchestre depuis ses origines jusqu’а Beethoven, P., 1882
Разница между оркестром, симфоническим оркестром и филармонией
- оркестр это общий термин, применяемый к группе музыкантов, состоящей из десяти или более инструменталистов. Существуют камерные оркестры (группа из 50 или менее музыкантов, которые играют в небольших залах и концертных залах), духовые оркестры (группы музыкантов, играющих на трубах, тромбонах, тубах, рожках и т. Д.), Симфонические оркестры и многое другое.
- симфонический оркестр это общий термин, применяемый к большой группе инструменталистов, которые могут исполнить полную симфонию. Камерный оркестр — это не симфонический оркестр, так как инструменталистов недостаточно для исполнения всех партий симфонии.
- Филармонический оркестр это правильное название для симфонического оркестра. Он используется для различения идентичностей симфонических оркестров, если два или более существуют в одном городе (то есть Лондонский филармонический оркестр и Лондонский симфонический оркестр). Филармонические оркестры исполняют ту же музыку, что и симфонические оркестры.
Критерии соответствия[править]
Хотя в большинстве случаев симфоническая музыка действительно предназначена именно для исполнения симфоническим оркестром, но, тем не менее, симфоническими по своей идейно-содержательной значимости, структуре формообразования и специфике композиционного развития могут быть также и музыкальные произведения, написанные для каких-либо иных составов исполнителей, вплоть до малых струнных или духовых ансамблей, как и для отдельных солирующих инструментов (например, в случае органных симфоний, фортепианных симфонических этюдов, вариаций и т. д.) или (в случае вокальных симфоний) хоров a cappella.
С другой же стороны, далеко не всякая музыка, написанная или переложенная для исполнения симфоническим оркестром, является по своим внутренним свойствам и качествам музыкой заведомо симфонической.
Симфоническую музыку часто связывают также и с сонатно-циклической формой, которая являлась нормативной для композиторов прошлых веков, но для той симфонической музыки, которую пишут композиторы современные, эта форма свою прежнюю актуальность уже давно утратила. Симфонические качества того или иного музыкального произведения характеризуются сегодня не сводящейся к какой-либо устоявшейся «классической» схеме сложной внутренней организации музыки, связанной с непрерывной процессуальностью формообразования, сквозной драматургией, нетривиальностью полифонической фактуры, присутственной звукописью и т. д.
Если же вспомнить о том, что в понятии «симфоническая музыка» имя прилагательное «симфоническая» происходит от греческого слова syn-phonía, которое этимологически означает «созвучие» (sýn — «вместе» и phone — «звук»), то, поскольку применительно к монументальным жанрам музыки понятие «созвучие» ассоциируется с согласованным звучанием многих различных тембров и голосовых партий, важнейшими признаками симфонической музыки следует считать колористическую широту звучания, то есть её богатую тембральную палитру, которая, в рамках акустической (но не электронной) музыки, свойственна, в первую очередь, именно произведениям, написанным для большого симфонического оркестра.
В этой связи, конечно, произведения, написанные для хора a capella, фортепиано, каких-либо иных сольных инструментов или малых инструментальных ансамблей (струнных, духовых) называть «симфоническими» можно лишь с определённой степенью условности, исходя из одного только сугубо идеологического (идейно-философского) аспекта асафьевского определения «симфонизм». Единственное исключение здесь составляет симфонический орган, хотя с большим симфоническим оркестром и он тоже способен конкурировать только лишь по количеству тембров (богатству колористической палитры) и размаху звучания (динамическому диапазону), но не по количеству одновременно звучащих независимых партий.
Таким образом, мы приходим к заключению, что в рамках акустической традиции симфоническая музыка в самом полном значении этого понятия должна исполняться симфоническим оркестром, в то время как любая другая музыка, написанная для более скромных составов исполнителей, может быть достаточно условно отнесена к симфонической лишь благодаря глубине своего идейно-философского содержания и процессуальности развития. Такую музыку Арам Энфи предлагает называть «условно симфонической» или «квазисимфонической».
Как мы видим, с помощью подобного комплексного подхода этимологическое значение слова «симфония», на основании которого утвердилось понимание термина «симфоническая музыка» в западной музыковедческой традиции, органичным образом согласовывается с асафьевским определением понятия «симфонизм».
Из истории симфонии
Создателем классической формы симфонии и оркестровки считается Гайдн.
Й. Гайдн
А прототипом симфонии является итальянская увертюра (инструментальная оркестровая пьеса, исполняемая перед началом какого-либо представления: оперы, балета), сложившаяся в конце XVII в. Значительный вклад в развитие симфонии внесли Моцарт и Бетховен. Этих трёх композиторов называют «венскими классиками». Венские классики создали высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму. С этим временем совпал и процесс становления симфонического оркестра – его постоянного состава, оркестровых групп.
В.А. Моцарт
Моцарт писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, особое значение придавал опере, но большое внимание уделял и симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью
Моцарт создал более 50 симфоний. Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»).
К. Шлоссер “Бетховен за работой”
Бетховен создал 9 симфоний, но в смысле развития симфонической формы и оркестровки он может быть назван крупнейшим композитором-симфонистом классического периода. В его Девятой симфонии, самой известной, слиты сквозной темой в одно целое все её части. В этой симфонии Бетховен ввёл вокальные партии, после чего это стали делать и другие композиторы. В форме симфонии сказал новое слово Р. Шуман.
Но уже во второй половине XIX в. строгие формы симфонии начали изменяться. Необязательной стала четырёхчастность: появилась одночастная симфония (Мясковский, Борис Чайковский), симфония из 11 частей (Шостакович) и даже из 24 частей (Хованесс). Классический финал в быстром темпе был потеснён медленным финалом (Шестая симфония П.И. Чайковского, Третья и Девятая симфонии Малера).
Авторами симфоний были Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон, И. Брамс, А. Дворжак, А. Брукнер, Г. Малер, Ян Сибелиус, А. Веберн, А. Рубинштейн, П. Чайковский, А. Бородин, Н. Римский-Корсаков, Н. Мясковский, А. Скрябин, С. Прокофьев, Д. Шостакович и др.
И понеслась!
Окончательное взгромождение симфонии на её высоченный пьедестал состоялось при Бетховене, который относился к этому жанру с ещё большим пиететом. Посудите сами. Сколько симфоний написал Гайдн? Больше сотни. Моцарт? Под полтинник. А Бетховен? Всего девять! Зато каждая не похожа на другие и ознаменовывает новый этап в творчестве композитора.
Людвиг ван Бетховен
Я подзабыл, в каком именно возрасте Моцарт написал свою первую симфонию, помню только, что было это задо-о-о-о-о-олго до полового созревания. А Бетховен почувствовал себя созревшим для такого ответственного труда, только когда ему было около тридцати! Вы видите, какая разница?! Понятно, что с таким качественным изменением отношения к делу и результат должен быть совершенно иной. Симфонии Бетховена не лучше и не хуже симфоний Гайдна и Моцарта. Их просто нельзя сравнивать – их писали люди разных профессий!
В связи со столь серьёзными переменами Бетховен бывал вынужден, несмотря на весь свой пиетет, вносить изменения и в установившийся канон. Он мог увеличить количество частей, заменить обязательный менуэт пьесой более свободной по характеру (такая третья часть получила название скерцо, что переводится как «шутка»), поменять местами вторую и третью части. А в своей последней – Девятой – симфонии дошёл до того, что ввёл в неё хор и певцов-солистов. И всё это, заметьте, были по-прежнему симфонии. В силу чего, спросите вы. В силу своей значительности.
А теперь давайте посмотрим, что же произошло с этим жанром в эпоху романтизма
Тут надо принять во внимание два важнейших обстоятельства
Во-первых, повсеместное распространение симфонических оркестров. «Изобретённый» Гайдном и несколько увеличенный Бетховеном, симфонический оркестр стал обязательной частью культурной жизни любого мало-мальски заметного европейского (и не только европейского) населённого пункта.
Романтики – консерваторы и антиглобалисты
Второе обстоятельство, которое непременно надо учитывать, рассуждая о симфониях эпохи романтизма, – это уже упоминавшееся мною всеобщее преклонение перед Бетховеном. Стремление соответствовать высоким бетховенским стандартам привело к мощному «замораживанию» формы, продержавшейся неизменной почти сто лет.
Вот так должна была выглядеть типичная романтическая симфония:
Первая часть. Суровое (вариант: безмятежное) медленное вступление, затем энергичная главная тема, затем «светлая», «лирическая» и «напевная» побочная, затем динамичная разработка, затем реприза, а в конце торжествующая кода (торжествовать могут как светлые, так и тёмные силы).
Вторая часть. Безмятежное, созерцательное адажио, напоённое звуками природы, дышащее спокойствием и порой подёрнутое лёгкой грустью.
Третья часть. Искромётное (вариант: зловещее), остроумное скерцо.
Четвёртая часть. Безудержный торжественный финал, сверкающий весельем. Колоритные народные мотивы утверждают торжество света, радости, любви – в общем, триумф воли, человеческого духа и разума! Использование народных мелодий в финале было допустимой в приличном обществе «антиглобалистской» выходкой, и быстро сделалось самым настоящим штампом.
Итак, практически весь XIX в. композиторы занимались тем, что упражнялись в сочинении подобных опусов и соревновались, чьё написанное по данному трафарету сочинение будет лучше. Иногда меняли местами вторую и третью части (как Бетховен!), иногда писали больше четырёх частей и давали частям литературные заглавия (тоже как Бетховен!) Возможно, именно поэтому великий композитор-реформатор Вагнер практически не писал симфоний. Так, написал одну по молодости, а потом бросил это скучное занятие.
О том, что жанр симфонии устарел и нуждается в кардинальном обновлении, говорили многие. Например, русские композиторы «Могучей кучки» во главе со своим «идеологом» Владимиром Стасовым. Однако и в России дальше разговоров дело не пошло. Тот же глава «кучкистов» Милий Алексеевич Балакирев написал две очень хорошие, но совершенно «правильные» симфонии.
Петр Ильич Чайковский
Разумеется, изображать творчество великих симфонистов XIX в. как упёртых и нетворческих рутинёров было бы вопиющей несправедливостью. И всё же нельзя не признать, что инерция формы была очень велика. Даже самые прозорливые из композиторов второй половины столетия – в первую очередь Брамс, Брукнер, Чайковский – направляли свою фантазию главным образом на то, чтобы наполнить старую форму новым содержанием. Нетрудно догадаться, однако, что от этого нового содержания старая добрая форма начала предательски трещать по швам.
Вместе с тем шла плавная эволюция симфонического оркестра. Какие-то инструменты не «прижились», вместо них вводились новые. Общий состав потихоньку увеличивался, приближаясь к сотне музыкантов. В итоге, как я уже писал, к концу столетия симфонический оркестр стал универсальным инструментом, способным к передаче самых тонких чувств и настроений, к созданию каких угодно звуковых эффектов.
И вот на рубеже XIX и XX столетий симфоническая форма не выдержала всех накопившихся перемен и претерпела большой взрыв. Симфония росла, увеличивалась в размерах, в составе исполнителей и лопнула в конце концов. Из-под гнёта вырвались на свободу целые ни на что не похожие миры – такие как симфонии Малера или Скрябина, – а из обрывков старой оболочки стали шить как вошедшие в моду костюмчики в стиле «ретро» (пример: «Классическая симфония» Прокофьева), так и порой ни на что не похожие вещи.
Каноны рухнули, а новых не появилось. В итоге симфониями стали называть вообще всё что угодно: произведения для любых составов, любой формы и с любым количеством частей. Восьмая симфония Малера, например, занимает всю программу концерта, и в её исполнении задействовано около тысячи человек.
А некоторые симфонии Галины Уствольской (единственной женщины, бывшей ученицей Шостаковича) длятся меньше десяти минут и рассчитаны, подобно камерным ансамблям, всего на нескольких исполнителей
Названием «симфония» в данном случае автор просто хотела уведомить слушателей, что считает это произведение крайне важной частью своего творчества
Вот такая удивительная эволюция понятия и жанра.
Кстати:
Учёные расшифровали геном Бетховена
«Макс Регер. Работа вместо жизни»
Фламандский оперный выполняет требования Рихарда Вагнера
Дмитрий Черняков: «Мы наблюдаем. Это наблюдение приносит грусть в наши души»
В Екатеринбурге стартовал Bach-fest
Оркестр Поля Мориа и «Лунная соната» снимают стресс
Классические симфонии против романтических симфоний
Вообще говоря, классическая симфония очень тщательно следует форме и структуре, а романтическая симфония — нет. Зачастую романтические симфонии имеют большие оркестровки и большее разнообразие инструментов.Можно сказать, что романтические симфонии периода «больше жизни»; они намного более выразительны с точки зрения гармонизации, ритмических паттернов и динамики.
Например, известная симфония Гайдна «Сюрприз», которую обычно исполняют около 50-ти инструменталистов менее чем за тридцать минут, звучит совершенно по-домашнему по сравнению с симфонией № 9 Малера, которая обычно исполняется оркестром, вдвое превышающим размер Гайдна, продолжительностью почти полтора часа.
Интересные факты о симфонии
- Самый большой симфонический оркестр: В 2013 году в рамках Квинслендского музыкального фестиваля 2013 года, проходившего в Брисбене, Квинсленд, Австралия, художественный руководитель Квинслендского музыкального фестиваля Джеймс Моррисон дирижировал крупнейшим в мире оркестром. Он руководил 7224 музыкантами в спектаклях «Вальсинг Матильда», «Ода радости» и «Мы тебя потрясем», побив мировой рекорд Гиннесса для крупнейшего оркестра.
- Самая длинная симфония из всех: Другой рекордсмен Гиннесса — 13-часовая симфония Ричарда Роджерса и Рассела Роберта Беннетта, Победа на море, Он был составлен в качестве саундтрека к 26-эпизодному документальному фильму о Второй мировой войне, снятому NBC, который транслировался с 1952 по 1953 год.
- Старейший симфонический оркестр:По данным Королевского датского оркестра, они являются старейшим симфоническим оркестром, действующим до сих пор, его происхождение восходит к 1448 году, когда группа музыкантов служила королю Кристиану I в качестве корпуса королевского двора. Их более чем 550-летняя история показывает «непрерывную череду разнообразных придворных оркестров».
Так что же такое симфония?
Само это слово переводится с греческого всего-навсего как «созвучие». Возникнув как жанр в эпоху барокко в Италии, так называемая sinfonia представляла собой всего-навсего оркестровую или даже инструментальную пьесу. Большую и развёрнутую (иногда аж минут на пять – десять) и написанную в свободной форме – как правило, с чередованием быстрого и медленного темпов. Именно такие, с позволения сказать, «симфонии» можно встретить в творчестве И. С. Баха и его современников.
В Италии этот жанр надолго остался «законсервированным». Вплоть до середины XIX в. симфониями там называли оркестровые пьесы, прежде всего увертюры к операм. Надо сказать, что в итоге Италия оказалась одной из самых «несимфонических» стран (зато необычайно «оперной»), а «горячая точка» развития жанра переместилась на север – в Австрию. Здесь скромная оркестровая пьеса начала набухать, усложняться и почковаться.
Йозеф Гайдн
Родоначальником симфонии в современном понимании считается Йозеф Гайдн. Понятно, что на самом деле всё сложнее и что такие идеи всегда «витают в воздухе». Тем не менее, благодаря своему таланту и энергичности Гайдн в какой-то момент стал «первым среди равных», и тем, как выглядит симфония в традиционном виде, мы обязаны главным образом ему. Также Гайдн оказался родоначальником современного симфонического оркестра – невероятное новаторство, о всей судьбоносности которого мы редко задумываемся.
Уже во второй половине XVIII в. усилиями Гайдна и его современников (среди которых в первую очередь следует назвать Моцарта) симфония приобрела репутацию жанра, отличающегося возвышенностью, изысканностью, сложностью, интеллектуальностью – в общем, некой особенной «арт-хаусностью». Помню, как я был поражён одним из писем Моцарта, в котором композитор называет жанр инструментального концерта «лёгким» и «развлекательным» по сравнению с симфонией. Слушая фортепианные концерты Моцарта, особенно поздние, – эти масштабные и глубочайшие откровения, – я каждый раз заново изумляюсь данному высказыванию. Тем не менее, Моцарт так считал, и есть основания думать, что это мнение было для его времени типичным.
Итак, «классическая симфония» времён Гайдна и Моцарта выглядела примерно следующим образом:
Первая часть – как правило, сонатное аллегро. Быстрое и конфликтное, с противопоставлением двух контрастных тем. (Впрочем, Гайдн в своих поздних симфониях порой ленился и в качестве побочной темы использовал ту же главную, только в другой тональности).
Вторая часть – как правило, медленная, созерцательная. Либо отдохновение от столкновений первой части, либо философские размышления после битвы. Форма может быть разная: либо тема с вариациями, либо, что чаще, трёхчастная по типу aba.
Третья часть – менуэт. Не всегда такой, который удобно танцевать. Порой это жанровая зарисовка, порой просто «шутка юмора». В общем, некая эмоциональная разрядка. Имеет форму aba, или abaca, или даже abacada – ну и так далее. Напоминаю, что в этом случае эпизоды b, c, d и т. п. принято называть трио. Так исторически сложилось.
Четвёртая часть – финал. Изначально имеет форму рондо, реже – вариаций. Рондо – это когда один и тот же мотив перемежается различными эпизодами, но всё время возвращается. В качестве такого главного мотива обычно берётся какая-нибудь яркая и энергичная мелодия – порой даже народная песня. Впоследствии, в XIX в., появилась тенденция сообщать финалу бóльшую многозначительность и конфликтность, в силу чего его форма стала в той или иной степени приобретать черты сонатного аллегро. Для такого «гибрида» появилось даже своё название – рондо-соната. Но это потом.
Первая и четвёртая части были непременно в одной и той же тональности, а вторая и третья – в других, но родственных этой «основной» тональности. Когда объявляют, скажем, «симфонию соль минор» – это значит, что в соль миноре написаны, скорее всего, сонатное аллегро и финал.
Такой четырёхчастный цикл стал своего рода эталоном и был с небольшими изменениями перенесён на другие жанры, в том числе на инструментальный концерт, сонату, камерный ансамбль и т. д. Вот мы и пришли к ответу, почему именно симфонии стали восприниматься публикой и критикой с самыми бурными восторгами и негодованиями. Симфония стала своего рода «законодательницей мод». Любые нововведения, «легитимизированные» в симфоническом жанре, сразу же отражались на всей музыке в целом.
И хотя порой симфония в «итальянском» смысле – то есть как одночастная пьеса – ещё появлялась кое-где в качестве «атавизма» (такова, например, 32-я симфония Моцарта), описанный мною канон к последней четверти XVIII в. был уже вполне сложившимся и общепринятым.
Симфонический оркестр – символ глобализации?
Что такое симфонический оркестр, чем он отличается от просто оркестра. Ответ будет – своей регулярностью. Симфонический оркестр – это, как правило, не разрозненные музыканты, собравшиеся вместе, а постоянно существующий коллектив, который имеет возможность «сыгрываться» и звучать как единое целое. Кроме того, речь идёт ещё и о регулярности состава.
Симфонический оркестр образован определённым и весьма ограниченным набором инструментов. Струнных, скажем, всего четыре разновидности: скрипки, альты, виолончели и контрабасы. Духовых немногим больше. Всякая «некондиция» типа виолы д’амур или какого-нибудь шалюмо надолго ушла в прошлое, а музыка, написанная для таких «нестандартных» инструментов была приспособлена для исполнения симфоническими оркестрами или попросту забыта.
Возможно, именно тогда и зародилась международная музыкальная индустрия. Ведь это позволило симфонию, написанную, скажем, в Вене, с лёгкостью исполнять в Лондоне или в Петербурге. Таким образом, в XVIII в. музыкальный мир стал свидетелем подлинной революции и глобализации.
Конечно, тут могут возразить, что симфонический оркестр симфоническому оркестру рознь, и что, допустим, кларнет во Франции, в Германии и в России – это не совсем один и тот же инструмент. К примеру, Пётр Ильич Чайковский писал о проблемах, возникавших при разучивании его сочинений зарубежными оркестрами. Некоторые инструменты в некоторых регистрах звучали совершенно иначе, чем он привык и чем ему хотелось бы. Да, всё это так, и отчасти справедливо даже по сей день. Музыканты любят преувеличивать такие различия. И тем не менее, симфонический оркестр есть симфонический оркестр. «Макдоналдсы» вон тоже везде немножко разные.
Строение[править]
Вследствие сходства по строению с сонатой, сонату и симфонию объединяют под общим названием «сонатно-симфонический цикл». В классической симфонии (в том виде, в котором она представлена в творчестве венских классиков — Гайдна, Моцарта и Бетховена) обычно имеется четыре части.
- 1-я часть, в быстром темпе (аллегро), пишется в сонатной форме;
- 2-я, в медленном движении, пишется в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;
- 3-я — скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);
- 4-я часть, в быстром темпе — в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.
Существуют симфонии как с большим, так и с меньшим (вплоть до одночастных) количеством частей.
Программной симфонией называется та, которая связана с известным содержанием, изложенным в программе (выраженной, например, в названии или эпиграфе), — например, «Пасторальная симфония» Бетховена, «Фантастическая симфония» Берлиоза и пр. (подробнее см. программная музыка). Первыми ввели программу в симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн.
История[править]
Изначально в Древней Греции «симфонией» называлось благозвучное звучание тонов, совместное пение в унисон. В Древнем Риме так называли уже ансамбль, оркестр. В средние века «симфонией» считалась светская музыка вообще (во Франции это значение сохранилось до XVIII века), так могли называть некоторые музыкальные инструменты (в частности, колёсную лиру).
Прототипом симфонии может считаться итальянская увертюра, сложившаяся при Скарлатти в конце XVII века. Эта форма уже тогда называлась симфонией и состояла из allegro, andante и allegro, слитых в одно целое. С другой стороны предшественницей симфонии была оркестровая соната, состоявшая из нескольких частей в простейших формах и преимущественно в одной и той же тональности. В классической симфонии только первая и последняя части имеют одинаковые тональности, а средние пишутся в тональностях, родственных с главной, которой и определяется тональность всей симфонии. Создателем классической формы симфонии и оркестрового колорита считается Гайдн; значительный вклад в её развитие внесли Моцарт и Бетховен. В смысле развития как симфонической формы, так и оркестровки Бетховен может быть назван крупнейшим композитором-симфонистом классического периода. В форме симфонии сказал новое слово Шуман (в особенности в Симфонии ре минор), сделав опыт слияния всех её частей в одно целое и введя сквозной тематизм. Впрочем, сквозной тематизм встречается и у Бетховена в его Девятой симфонии.
Начиная со второй половины XIX века строгие формы симфонии начали рушиться. Стала необязательной четырёхчастность: существуют как одночастные симфонии (Мясковский, Канчели, Борис Чайковский), так и одиннадцатичастные (Шостакович) и даже двадцатичетырехчастные (Хованесс). Появились невозможные в классическом симфонизме медленные финалы (Шестая симфония Чайковского, Третья и Девятая симфонии Малера). После 9-й симфонии Бетховена композиторы чаще стали вводить в симфонии вокальные партии.
Заметными явлениями в истории симфонии как жанра стали сочинения таких композиторов, как Франц Шуберт, Феликс Мендельсон, Иоганнес Брамс, Антонин Дворжак, Антон Брукнер, Густав Малер, Сезар Франк, Ян Сибелиус, Пауль Хиндемит, Антон Веберн. В русской музыке основу жанра симфонии заложили произведения Антона Рубинштейна, Петра Чайковского, Александра Бородина, Николая Римского-Корсакова, Александра Глазунова, Николая Мясковского, Александра Скрябина, Сергея Прокофьева, Дмитрия Шостаковича, Моисея Вайнберга.
